David Hall, obra y conclusiones de la historia del videoarte.

En la entrada anterior no sólo hable del contenido de la lectura, si no que también me atreví a dar un comentario personal sobre mi entendimiento de la evolución de la televisión y vídeo, así como su relación con mi generación, claro con un enfoque más social que enfocado hacia el arte. Entonces comencé a preguntarme a que artista investigaría para esta entrada, al final decidí hablar de David Hall ya que es uno de los exponentes más importantes del videoarte, no solo como videoasta, si no cómo figura y referente, ya que podríamos hacer una revisión histórica del videoarte a través de una remembranza del trabajo de Hall y como los videoastas de los años subsecuentes, utilizaron sus trabajos a manera de inspiración o fundamento teórico. 

Para empezar hablemos sobre lo que fue el videoarte en la historia, un trabajo colectivo de artistas que respondían a la problemática de su época: la fuerte presencia de el medio y la tecnología de la televisión y el cine en la cultura popular. Los oligopolios de estos medios frustraban a los artistas puesto que la sociedad consumía los contenidos de manera pasiva, cuando dichos contenidos eran manipulados o planeados para mantener a los espectadores de esa manera, sin pretensión de explotar esa nueva tecnología, tratando de brindar un mensaje, ya que se tenía la facilidad de que por lo menos cada familia fue adquiriendo un televisor; así los artistas de la época, con todo y sus frustraciones hacia el público consumista del arte y el medio de distribución y exposición (galerías), comenzaron a buscar la manera de integrarse en esa cultura y traer el arte a las masas para generar una relación cercana con los aspectos reales y políticos que se desarrollaban en la época. 

Por lo que esta fusión de las artes visuales con las nuevas tecnologías e imágenes en movimiento, lograron que los artistas se preocuparan más por concebir ideas de manera en que pudieran volverlas experiencias vivenciales a través del vídeo. Ahí es donde entra David Hall, donde entiendo que él estaba determinado a exponer la mentira y desestabilizar los códigos del realismo televisivo hablando del defecto de esa tecnología y logrando entonces una deconstrucción de la TV. El Tate Museum se refiere a Hall como un videoasta dedicado al videosculpture, videoinstallation, film and video, de origen Inglés, el cual fungió como pionero y figura de la historia del vídeo en Inglaterra ya que organizó The Video Show en 1975 y fue co-fundador de la escuela de Video Arte en Londres (LUX).

101 TV set's by David Hall

Para entender el trabajo de Hall hay que entender cual era el pensamiento de la época, en el que se pensaba que el trabajo de la televisión era el de ganarse los corazones y las mentes de las personas y acercarlos al punto de vista "correcto", creando entonces una unicidad en la historia y el control de un solo mensaje y una sola verdad a través del medio, por lo que los artistas de los 70's y 80's algunos americanos y otros del antiguo continente (Marty St. James, Anne Wilson, Ann Magnuson etc.) buscaban interrumpir ese proceso. Por lo que David Hall haría una guerrilla en contra de la televisión, su figura de poder y su mensaje, para poner en crisis los límites del lenguaje televisivo y su concepción, puesto que estaba convencido que:

"algunas personas van a las galerías, pero todo el mundo miraba la televisión". 

Entonces la meta de Hall se logró en 1971, cuando  realizó un par de transmisiones o interrupciones de transmisiones para la televisión escocesa, llamadas 7 TV Pieces, de ellas la más conocida y la que se puede encontrar en Youtube es Tap Piece en la cual se ve una llave abierta que empieza a llenar el monitor de agua para cuando esté lleno sea removida la llave y después inclinado el monitor para vaciar el agua, esta ilusión buscaba crear conciencia de ver la TV como una caja, un objeto tridimensional que a pesar de su cualidad de monitor o de ventana a lo virtual, posiblemente podría aún tener una fuga. Hall siempre calculo sus tácticas para continuar con su guerrilla buscando tomar al espectador por sorpresa, ya que creía que al sacar al vídeo de la galería e insertarlo en la televisión, haría que el usuario bajara la guardia y entonces lo recibiera con neutralidad como si fuera una transmisión más en su momento de entretenimiento, Hall no lo considera una intromisión al espacio privado de la casa, es más bien una presencia inevitable, ya que el siempre verá a la televisión como objeto y al tener la TV en tu casa, para Hall, se vuelve parte de la decoración. 

7 TV Pieces; Tap Piece by David Hall

Además de sus piezas Interruptions, Hall hizo una pieza en 1976 This is a Television Receiver, la cual graba una transmisión realizada por el periodista británico Richard Baker en la BBC donde él habla sobre los límites y alcances de la TV, de esta manera él asume una figura de autoridad diciéndole al público lo que se puede y no hacer en la televisión, así logra una unicidad de uso y mensaje, el cual Hall busca desconfigurar realizando copias de este mensaje en vídeo una y otra vez hasta que Baker y su voz se desintegran al borde de ser irreconocibles, reduciéndolo a lo que es, una serie de patrones de luz pulsantes en un monitor,  de nuevo el discurso del artista se logra haciéndonos ver que con lo único que nos quedamos es con una caja, le regresamos esa corporeidad y valor de objeto a la TV. 

Podríamos pensar que este experimento de desintegración hizo que los videoastas de la modernidad buscaran desmantelar la imagen al punto de buscar una abstracción de la misma en el medio, nuevas narrativas surgen entonces para los videoastas contemporáneos que en cierta manera buscan conseguir ese realismo high-definition para alcanzar las simulaciones televisivas. Que podría vincularse a las parodias hechas de programas populares de televisión o a los falsos documentales como el del Asesino de la Esmeralda.       

This is a Television Receiver by David Hall.

Entonces con las nuevas opciones de repetición de los programas, el fenómeno del Tivo o los making of, los programas que hablan sobre programas han obligado a la televisión a ser lo que David Hall siempre dijo, un objeto, y así es como las generaciones actuales la percibimos y hemos abierto nuevos caminos hacia los nuevos medios de información, al Internet y al vídeo que logre ser comunicativo, dejando la televisión en el pasado. Pero rompimos el sueño de muchos videoastas el que era volver la sala de TV de la casa, en un lugar de reflexión y los artistas de vídeo han sido obligados a regresar a la galería. 

La pieza que marcará el final de esta entrada fue la última pieza de David Hall, End Piece, una vídeo instalación expuesta en Londres en la Universidad de Westminster, pensada para concluir con lo que empezó en 1972 con 101 TV sets, en la que hizo una instalación de multi-screen video, así en su End Piece vemos 1001 TV que llenan la sala, uno contra otro en el piso de la galería, cada televisor sintonizaba al azar canales de TV analoga, esta pieza fue realizada durante el 2012 año del apagón analógico en Inglaterra, por lo que en algún momento la transmisión se iba a interrumpir apagándose y transmitiendo nada más que estática, antes de que esto sucediera y al visitar la galería el ruido no te dejaba sólo ni un segundo, no importa a que sala entrarás la televisión y el medio te perseguían hasta que todo fuera un constante ruido de estática, para mi esto simboliza el final de su guerrilla, puede dejar el fusil y su videocámara puesto que esto marca el final de una era, claro que aún existe el poder de la televisión pero ya no es el mismo que en los 70's, mientras la señal poco a poco se va perdiendo, esta cacofonía emitida por el televisor, poco a poco se vuelve en un murmullo hasta convertirse en un sonido de estática unificado, callando las transmisiones y voces que un día oprimieron a estos artistas del vídeo, dándole espacio a nuevas tecnologías, plataformas y multimedios en los cuales los artistas o videoastas podrán seguir construyendo un lenguaje y realizando sus prácticas artísticas. 

End Piece; 1001 TV set by David Hall 

  

Alter Video, comentario y opinión en una actualización de la perspectiva del vídeo.

En esta entrada me gustaría tomar las cosas con calma y comenzar con lo referente a la lectura y después hablar de algunos puntos en los que me quede pensando al discutir con Fernanda González la lectura de Alter Video de Eugeni Bonet.

Primero explicaré una breve introducción al texto: La lectura es una revisión histórica de la Televisión como medio de comunicación y sus diferentes propósitos de lenguaje, sus límites y alcances, a su vez una revisión histórica de como surge el Vídeo en principio como un arma de la contracultura hacia la televisión, pasando a unificarse como microtv y de ahí liberándose de los alcances televisivos, en los cuales la sociedad de la época utilizó al vídeo como su tecnología para atacar sus necesidades de comunicación así logrando una diversidad de usos en el vídeo pero alcanzando unificar el lenguaje propio del vídeo llegando incluso a definir una estética dentro del vídeo, categorizando sus temas y así lo encasillo dentro del Arte como Video-Arte.

Esta revisión histórica me sirve a mi para tener un acervo de referentes de artistas, en como han usado el medio y como lo han adaptado en sus prácticas artísticas, como el cine videográfico de Tambellini, las diferentes ramas como el vídeo-performance o vídeo-instalación y para entender los diferentes lenguajes que ha tenido el vídeo en sus diferentes movimientos de video-arte, cuando habla de los video-tapes de Nauman y los vídeos de Warhol me parece que me ayuda a reforzar lo que ya pensaba y lo que Andrea Di Castro ha mencionado en clase sobre que el vídeo-arte no está hecho para ser visto completo y esto es una cualidad expresiva que se puede aprovechar y que a mi parecer es única del vídeo; específicamente hablando del origen del Fluxus hago una nota al calce, me interesó utilizar soluciones semi-inspiradas en este movimiento para el vídeo de espacio cotidiano, jamás con la pretensión de imitarlos, donde el audio y los sonidos crean la atmósfera y la narrativa del vídeo, aunque compartiendo ese escepticismo sarcástico hacia la idea del artista.

La idea de que los artistas no han encontrado un medio moderno para expresarse, ahora en la contemporaneidad me parece bastante fuera de época ya que hay hibridación del vídeo y la TV y nuevos medios multimedia y tecnologías que hacen obsoleta la utilización de la TV sola como medio de expresión artístico, así como la necesidad del binomio macrotelevisión y arte para la difusión y distribución del arte y de la "galería televisiva" ya que el medio masivo hoy en día es el internet, esto solo hace un eco profundo en lo efímero que es el medio y la tecnología en si misma como ejemplo contundente son las esperanzas que el autor deposita en dos medios tecnológicos en los cuales se ha demostrado su obsolescencia, el betamax y vhs, además de sus ideales utópicos de que todos podríamos comprar una transmisión satelital, pero he de aclarar que es un error comprensible ya que no se podían medir los alcances tecnológicos ni la velocidad de actualización y creación de nuevos medios.

Entonces si el vídeo surge para criticar las sociedades de consumo, los medios masivos de comunicación y la informatización, se debe actualizar esa crítica haciendo uso de las tecnologías actuales.

Ahora lo discutido con mi compañera de clase, derivo en una actualización de la idea misma del vide-arte que se fue generalizando hacia los cambios generacionales y fenómenos sociales. Entonces comenzaré diciendo que mi generación se define como la GEN Z o la generación Z (1994-2010), estuvimos al borde y conviviendo con los Millenials (Generación Y) pero nos consolidamos como una generación que nació con la tecnología, crecimos con el desarrollo de las computadoras de escritorio y las portátiles MAC/PC, al alcance, así como los electronic devices (teléfonos celulares, IPOD's, tablets, etc.) una herramienta y tecnología que nos formaría y llegaría a su cúspide con el fenómeno de las redes sociales, las cuales no solo harían una comunicación instantánea y fugaz, sino que, nos permitirían conectarnos con el mundo, escogiendo nuestros propios campos de intereses y descubriendo nuevas realidades y virtualidades, acelerando nuestro proceso de crecimiento, maduración y descubrimiento del mundo. ¿Por qué hago énfasis en esto? porque la lectura precisamente habla sobre este diálogo entre televisión y vídeo como medio, como lenguaje, más no estoy seguro pero diré que se deja implícito el cambio generacional, que es lo que permite al vídeo ser lo que es ahora.

Formando parte de la generación Z, no me siento tan identificado con la televisión, no soy un millenial que creció y se educó únicamente con la TV, dejándose moldear por MTV y su contenido de TV alternativo, no me identifico con la cultura pop que forjo a la generación "Y", cuando Eminem dice "We are the one's who made you" refiriéndose en concreto a los contenidos de MTV y la tele Reality, sí retumba en mi cabeza, pero el saco no me queda, inclusive bandas pop actuales Marina & The Diamonds que dicen "TV taught me how to feel, now real life has no appeal" sucede lo mismo, aunque tal vez con la apatía de este mensaje me identifico; así los millenials derivan en estas formas de expresión en el vídeo buscando una reacción o puesta en crisis del mensaje televisivo, creando falsos documentales, jugando con alterar el contenido mediático televisivo doblando sus mensajes, etc. En mi generación el aprendizaje y descubrimiento de la información se busca instantánea, por lo que el vídeo se torna en una herramienta perfecta, esto puede entenderse dentro de los vídeos que se encuentran y giran en nuestras redes sociales, a partir de nuestra acumulación de información y la manera en que la compartimos nos vamos creando este hábito de multitasking y de poca atención a una actividad en concreto, esta aseveración se da en el fenómeno del vine o del snapchat que busca reducir el tiempo del vídeo para convertirlo en un suceso de 6 segundos en el que el mensaje debe ser claro y evidente, asegurando la atención del usuario. Entonces cuando no buscamos videos instantáneos y fugaces también existen esas diversas plataformas en las cuales tengamos una inmersión en el vídeo ya sean desde Youtube para videobloggers o videos virales, dailymotion como acervo de películas, series y vídeos que puedan estar al alcance del usuario cuando este decida, vimeo para vídeos de creadores o videoastas freelanceros.

Y para concluir me atrevo a realizar una actualización de la videosfera, en donde el vídeo pasa a ser un fenómeno social dentro de las redes sociales y plataformas que creamos para su distribución, en donde el tipo de transmisión ha cambiado a un tipo de distribución y reproducción que se encuentra en un único medio el Masivo por excelencia "el Internet". Por lo que la tabla cambia de Megatelevisión a Megavideo, en tipo se unifica en internet, en distribución depende del público que en realidad tenga acceso a esas plataformas y así a los vídeos, el nivel de audiencia y el circuito en el que se distribuye y un ejemplo del fenómeno de vídeo que surge en esa clase de vídeo ligado a las aplicaciones o redes sociales donde pueden circular.

Videosfera Original.

Videosfera Actualizada.

Comentario Plática Magistral: Rafael Lozano Hemmer.

En esta plática magistral, estuvo de invitado Rafael Lozano Hemmer Artista México/Canadiense, el cual para mi es un exponente del Arte Contemporáneo en el manejo de nuevas tecnologías y multimedia.

Me parece un artista directo y honesto a su discurso, es contundente y coherente con sus materiales y tecnologías a la vez que con la poética y alegorías de sus piezas, no solo brinda un "aura" (como lo entendería Walter Benjamín) además crea plataformas que permiten al público tener una inmersión en la pieza puesto que esta parecería viva, su obsesión con estar siempre vigilados y jugar con la idea de que no solo tu miras, si no que la pieza en si misma te mira, es esta capacidad que tiene Hemmer de simbolizar la otredad en sus piezas, puesto que la pieza existe cuando ésta entra en contacto con el usuario, la pieza necesita ser vista, no para existir, sino para significar, y lo importante aquí es que "significa" no solo en lo conceptual, signifca a través de sus materiales, de la tecnología empleada, la programación, los softwares y las plataformas digitales que han abierto esta brecha a nuevos artistas en las que las ciencias y las artes se combinan. 

Es importante saber los alcances y extensiones que puede tener el Arte, puesto que como hemos estado viendo en este curso y en el taller de Foto, los artistas siempre han utilizado la tecnología que tienen a la mano para no solo crear, si no que ser fieles a su realidad histórica usando a la tecnología misma como lenguaje, puesto que la comunicación mundial es tecnológica y digital, pierde un carácter neutral, para buscar una unidad con el ser humano, entonces esta tecnología es una extensión de nuestra propia humanidad, como dice Hemmer nos es imposible escapar de ella.

Esta idea de reproducción y de uso de software libre permite a artistas jóvenes o en formación, la capacidad de conocer estas nuevas tecnologías que ayudan a nuestros procesos de producción, a al generación de ideas y a la ejecución de piezas, hablando por el lado del concepto, esto brinda la cualidad de un eco que va retumbando y mutando, se prolifera pero como la materia se regenera y se transforma para significar algo nuevo, aunque la base misma, el programa y el software sean los mismos, un juego o paradoja, entre la trascendencia del arte y su carácter efímero, además una misma crítica a la obsolescencia digital y electrónica.  

Plenaria: "Arca Rusa"

En esta plenaria se proyectó la película "El Arca Rusa" (2002), del director Aleksander Sokurov; en la cuál los números juegan un rol importante puesto que se reúnen a unos 2000 actores en toda la película, en un viaje de 300 años de historia Rusa, donde la trama se desenvuelve a través de 33 habitaciones del Hermitage Museum en St. Petersburg Rusia, donde la trama es musicalizada por 3 orquestas que fueron grabadas en vivo, todo esto llevado a cabo en una Single 96-minute Steadicam sequence shot. No sólo fue la primera película en usar este modelo de grabación, si no que es la que ha utilizado el One Shot sequence más largo en el cine, lo curioso aquí es como logró coordinar todo de manera armónica en el que inclusive el diseño del arte y la dirección de fotografía estan bien resueltas a través de una sola toma.

En el mundo del arte ya se han manejado películas o vídeos en relación temporal 1:1, es decir que lo que se graba corresponde realmente a la temporalidad en la que se vive, se graba sin edición y no existe la cualidad de manipular el tiempo a conveniencia, esta relación podría entenderse en el vídeo de Andy Warhol Empire (1964), The Rope Alfred Hitchcock o la secuencia de inicio de la película Goddfellas (1991) de Robert Altman; lo importante de la Arca Rusa es lo que Sokurov busco hacer que fue jugar con la temporalidad y la narrativa, puesto que estableció de entrada personajes en un tiempo alterno los cuales nos guiarán a través de la historia, uno de ellos es el mismo Sokurov que a través de leer sus diálogos, narra la historia y se convierte en el narrador omnipresente para los demás actores excepto para el personaje del Europeo.

Sokurov también logra un momento importante para el vínculo del público y la película misma, ya que al ser él, el narrador, la cámara se vuelve una cámara subjetiva que nos permite ver lo que Sokurov ve, esto es importante debido que hay un momento inevitable en el que nos permitimos creernos las dos líneas de temporalidades que el Director crea, una la que nos muestra en tiempo real, y otra la que funciona a manera de recuerdos del pasado, que usualmente sucede al entrar a cada habitación del Hermitage, dicho edificio también juega un rol importante por que al ser en el pasado el palacio de invierno del zar de Rusia y ahora ser utilizado como museo, no nos resulta extraño o discordante el brinco de temporalidades, se entretejen los tiempos de la historia de una manera orgánica y clara. Como película particularmente funciona la yuxtaposición de temporalidades, manejos de cámara, de personajes y de narrativa para construir una historia en el vídeo.