Colodión Húmedo y su variante el Ambrotipo

Investigando sobre el Colodión Húmedo técnica atribuida a Frederick Archer en el S. XIX la cual consiste en verter colodión bromo-yodado sobre la placa, la cual se introduce en una solución de nitrato de plata es expuesta y  revelada, pero debe ser bien enjuagada y secada antes de aplicar el barniz con aceite de lavanda; también encontramos la variante del colodión el ambrotipo que al hacerlo en positivo directamente se fija una imagen cristalina, se crea un negativo subexpuesto o una imagen débil a la que se oscurecía el fondo con tela o cartón que genera un velo de sutileza y fragilidad; me tope con Quinn Jacobson  un fotógrafo estadounidense que menciona en uno de sus vídeos para su taller ,en el festival Revela-T en Vilassar de Dalt Barcelona, que por un tiempo se sintió desencantado con la fotografía e inclusive un tanto aburrido por la misma, y creyó que había perdido por completo su relación con la fotografía, decía no poder encontrar el verdadero proceso o técnica para poder expresar lo que el quería sentir  hasta que revisando uno de sus libro predilectos "Las 100 mejores fotos de todos los tiempos" editado por el MoMA, en la segunda hoja vio un colodión húmedo en positivo con la variante de ambrotipo, ya que la técnica del colodión puede variar de a cuerdo al cristal que se use, vidrio negro para positivo o cristal para negativo, el cual le devolvió la voz a su trabajo fotográfico.

Revisando la técnica no pude evitar notar el velo de tonalidad obscura que contienen las imágenes generadas con esta técnica, uno de los principales pros que le veo para mí gusto personal al trabajo de Jacobson sería ese tinte obscuro que le da a los rostros,un énfasis a las sombras que evidencia, genera en mi como espectador un remarcado contraste, es decir sus retratos no son miméticos en verdad, tal ves hasta no pretenden serlo, si no que reflejan un rostro que es una huella de la imagen, este contraste de rostros obscurecidos te golpean con este dejo de nostalgia y los ojos tan intensos, tan agresivos de una manera tan sutil salen para invadir tu espacio y transgredir tu experiencia visual.

Anexo un link para ver más del Proceso de Quinn Jacobson , en este vídeo es genial rescatar la idea que tiene de llevar su cuarto obscuro en una vagoneta, es decir cuantos aspirantes a artistas no soñamos con ese viaje de ensueño en carretera o en el ideal hippie de tu mochilazo que nos permitiría generar obra que no imaginábamos antes, creo por eso los retratos de Quinn Jacobson son tan efectivos, debido a que el no invade la realidad de sus modelos si no que ellos le ceden una parte de su ser lo invitan a su espacio y a mi parecer esto genera este nexo tan efectivo y humano detrás del trabajo de Jacobson.

Entre páginas encontré la referencia también de otra fotógrafa norteamericana, que causo conmoción en los noventa debido a los trabajos que realizó a partir del contacto directo con la materia extra corpórea más cercana a ella, sus hijos. Hablo claro de Sally Mann, la cual en una entrevista hecha en art21 revista virtual, ella definió que:

"The Perfect Tomato"

 "Yo solo voy y elijo cualquier cosa que este a mi alrededor. Si lo piensas -mis hijos estaban allí, así que tomo fotos de mis hijos, tampoco es como que este tan interesada en fotografiar a los niños, si no que simplemente ellos estaban allí".

-Sally Mann, entrevista para art21 

Esto me hace pensar en el escultor Henry Moore, el cual ante el bloqueo que surgió en su vida al concluir la carrera en Leeds College of Art, comenzó su producción al hacerse consciente de su material más prolifero, su propio cuerpo y a partir del mismo empezó a configurar el espacio a través de las formas. Al comparar el proceso creativo de ambos en cuanto a la elección de su materia prima de trabajo, creo que se vinculan con la inmediatez del objeto conocido o próximo y esto les permite a ambos estructurar su trabajo a través de algo que dominan y que no solamente es una extensión.
No tocaré sus escándalos mediáticos realizados por grupos conservadores norteamericanos, me concentrare en su trabajo que denota un amor maternal evidente que se expresa a través de la delicadeza, creo yo, con la que retrata a sus hijos, yo percibo un gesto de picardia, de complicidad entre ellos y la fotografía, mi única pregunta es, ¿que tan verdadera puede ser la escena? si se sabe que el niño no se comporta igual al sentirse vigilado y mucho menos ante la figura de autoridad que puede representar tu propia madre, tal ves sea que la relación la están llevando directamente con la cámara y la figura de su mamá pasa a segundo termino, curioso ¿no es así?

"At Warm Springs"